LA MÚSICA DEL RENACIMIENTO

LA MÚSICA DEL RENACIMIENTO

Con el ascenso de la burguesía como clase social, la música pasó de ser un privilegio sólo al alcance de la nobleza y el alto clero, y ejecutada exclusivamente por profesionales, a ocupar también un lugar en el ocio de las clases medias. Tocar un instrumento musical pasó de ser tarea propia de menesterosos a refinado pasatiempo de las clases altas.

Es pues, la música   escrita entre los años 1400 y 1600, aproximadamente. Las características estilísticas que definen la música renacentista son su  textura polifónica que sigue las leyes del contrapunto, y está regida por el sistema modal heredado del canto gregoriano. Por tanto, la principal característica  de la música del Renacimiento se podría sintetizar en que hay un mayor cromatismo, con más cantidad de notas y adornos y se incorpora el concepto de belleza.                                                                  

Aparecen lo que se llama capillas , institución de aprendizaje musical, ligada a la Iglesia y en la que se entra de pequeño.

Entre sus formas musicales más difundidas se encuentran la misa y el motete en el género religioso, el madrigal, el villancico y la chanson en el género profano, y las danzas, el  ricercare y la canzona en la música instrumental. Entre los compositores más destacados de este periodo se hallan Josquin Des Pres,(o Desprez) que compuso tanto obras religiosas como profana; Giovanni Pier Luigi da Palestrina,que destaca por su religiosidad y dominio del contrapunto;  Orlando di Lasso , Claudio Giovanni Antonio Monteverdi , padre de la ópera y Tomás Luis de Victoria. Estos músicos viven protegidos por los grandes mecenas, bien  de tipo eclesiástico, trabajando  por lo general como organistas, o bien para personajes importantes, mucho mejor remunerados.

La música renacentista se caracteriza por una suave sonoridad, con superposición de líneas melódicas que forman acorde. El prototipo de obra musical renacentista es una pieza vocal de textura polifónica, más aún que en el Ars Nova,  frecuentemente imitativa, escrita para entre tres y seis voces, aunque hay obras para ocho e incluso más,  de carácter cantabile; Hay cuatro voces básicas: Cantus o Soprano, la voz femenina más aguda; altus  o contralto, voz femenina más grave; tenor, voz masculina más aguda y  bassus o  bajo, voz masculina grave.                                                                                  

Se daban la homofonía, una melodía  con una sucesión de acordes; el contrapunto en el  que a veces una voz  imitaba en el mismo tono o en otro a lo propuesto por otra voz anteriormente; y mixta, que era mezcla de las dos anteriores.

 

Géneros y formas:                                                                                                                                          

MÚSICA RELIGIOSA:

Se expande rápidamente por toda Europa con la impresión musical.

La Reforma luterana promueve  el canto en lengua vernácula durante las celebraciones eclesiásticas, lo que dará origen al coral luterano, que es un canto sencillo, normalmente acompañado por un órgano.

En Inglaterra, el rey Enrique VIII también se separa de la iglesia de Roma y crea la iglesia anglicana.A partir de este momento, la iglesia anglicana desarrolló una nueva forma musical denominada ANTHEM, que es un motete a cuatro voces, el cual se cantaba durante las celebraciones litúrgicas.

La Iglesia católica  mantiene los cantos de la misa en latín, aunque de forma clara para que se pueda comprender el texto.  

La misa cubría el ciclo del ordinario (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus-Benedictus y Agnus Dei). Para ello se seguían dos procedimientos de composición principales:

• Misa de cantus firmus: el autor toma una melodía preexistente, bien procedente del canto llano o bien de alguna canción profana, o incluso popular, y la sitúa en una de las voces, habitualmente la llamada Tenor. Las otras voces son creadas ex novo, completando una textura generalmente a cuatro voces, y son llamadas Cantus o Superius, Contratenor Altus (luego Altus) y Contratenor Bassus (luego Bassus). De estas denominaciones proceden los nombres actuales de las voces según sus tesituras. La misa de cantus firmus es típica del siglo XV; ejemplos de ella son las innumerables basadas en la canción L’homme armé, tales como las de Dufay, Busnois, Ockeghem, Guerrero, Morales, Palestrina…

•  ( Kyrie de la Missa Brevis de Palestrina)

• Misa parodia o de imitación: el compositor toma un motete o una canción polifónica anterior (propio o de otro autor), este ya de tipo polifónico, y utiliza el material melódico y armónico: motivos de imitación, cadencias típicas o a veces incluso fragmentos completos, pero reelaborando el material, añadiendo motivos y a veces voces nuevas, y siempre, naturalmente, cambiando el texto. Este es el procedimiento habitual en el siglo XVI, como ejemplifican la Misa Malheur me bat de Josquin Desprez, 

•   ( la Misa Malheur me bat de Josquin Desprez)

• El motete renacentista era una pieza polifónica de texto sacro y en latín. Procedía del motete medieval. En el motete el autor generalmente creaba material puramente original, sin tomar préstamos ajenos como en la misa. En el siglo XVI se desarrollan amplios motetes bipartitos y, en la escuela veneciana, los policorales, para ocho o incluso doce voces. Ejemplos sobresalientes de motete renacentista son el Ave María de Josquin o el Lamentabatur Jacob de Morales.

(O Magnum Mysterium  de Tomás Luis de Victoria. Interpretado por The Sixteen, dirigidos por Harry Christophers)

 (Lamentabatur Jacob de Morales por Hilliard Ensamble)

Géneros sagrados importantes, ya en lengua vernácula, fueron el villancico religioso español, el madrigal espiritual, la lauda italiana y el coral luterano.

 

MÚSICA VOCAL PROFANA:                                                                     

• En Italia, la villanella, la frottola y el madrigal.

• En España, el romance, la ensalada y el villancico.

• En Francia, una vez superadas las formas fijas medievales aún vigentes en la escuela borgoñona (rondeau, virelay,  ballade) se creó la peculiar chanson polifónica parisina.

• En Inglaterra se imitó el estilo madrigalístico italiano, apareciendo  hacia 1600, el ayre,   la canción isabelina, para un solista acompañado de con laúd. Destaca como compositor John Dowland.

Hacia el final del período aparecen los primeros antecedentes dramáticos de la ópera tales como la monodia, la comedia madrigal y el intermedio.

 ( El Grillo de Josquin Des Pres.)

 MÚSICA INSTRUMENTAL:

Se crearon familias completas de cada instrumento. Cada tamaño se nombraba con el nombre de la voz correspondiente. Así la flauta  soprano, alto, tenor, etc. Mucha música polifónica se ejecutaba de forma puramente instrumental, fuera en conjuntos homogéneos (llamados ensamble o consorts), en grupos que combinaban instrumentos de diversas familias o sobre instrumentos propiamente polifónicos, como el órgano, el virginal, el arpa, el laúd o, en España, la vihuela.

(  Jordi Savall y consort de violas de gamba Hesperion XX  interpretan   «Lachrimae Antiquae»)

Como muchos instrumentistas eran incapaces de leer música, ya que muchos eran aficionados, aparecen las llamadas tablaturas, un lenguaje musical propio para cada instrumento.

 (Greensleeves  Interpretada por Jordi Savall, oficialmente anónima, registrada en Londres en 1580 , aunque se dice que fue compuesta por el rey Enrique VIII para la que luego fue su esposa Ana Bolena.)

Las principales formas instrumentales de la época fueron:

• Formas derivadas de modelos vocales: al tocar habitualmente los instrumentistas piezas vocales, compusieron formas similares, si bien sin texto: del motete derivaron piezas polifónicas imitativas, llamadas ricercare, precursora de la fuga, fantasía o tiento, mientras que de la chanson derivó la canzona, generalmente más viva y más dividida en secciones que los anteriores.

• Danzas: una de las funciones tradicionales de los instrumentistas era, naturalmente, el acompañamiento de la danza. Solían estar escritas a cuatro voces, en una sencilla textura homofónica. Hay abundantes ejemplos de danzas de todo tempo y compás, como la bajadanza, la pavana, la gallarda, la alemanda o la courante.

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  (Danzas renacentistas: Pavane. Desde el castillo de Kronborg, Dinamarca)

• Formas improvisatorias: los músicos anotaban a veces sus improvisaciones más logradas. Podía tratarse bien de puras improvisaciones para un instrumento polifónico (toccata, preludio, de nuevo tiento), bien de variaciones melódicas ornamentales sobre una o varias voces de un modelo vocal preexistente (recercada, disminuciones) o bien de largas series de variaciones sobre un basso ostinato muy conocido, como la romanesca, el Conde Claros, el passamezzo

TEORÍA Y NOTACIÓN:

Las composiciones del Renacimiento estaban escritas únicamente en partichelas; las partituras generales eran muy raras, y las barras de compás no se usaban. Las figuras eran generalmente más largas que las usadas en nuestros días; la unidad de pulso era la semibreve, o redonda.

 

MÚSICA RENACENTISTA ESPAÑOLA:

Como en las letras, el siglo XVI es también el Siglo de Oro de la música española. Destacan las obras de los compositores Tomás Luis de Victoria, Cristóbal de Morales y Francisco Guerrero.

La música durante el renacimiento español fue fuertemente influenciada por la árabe. Entre las obras más importantes del renacimiento se destacan: el Cancionero de palacio, música de la corte de Isabel I de Castilla y Fernando II de Aragón, el cancionero Al-Ándalus, los libros en cifras para vihuela de Alonso Mudarra, los compositores Luis de Narváez  y el madrigalista Juan del Encina.

(Qu’es de tí desconsolado? de Juan del Encina- Cancionero de Palacio)

 (Hoy comamos y bebamos, Juan del Encina, 

( Matona mía cara de Orlando di Lassus por el Madrigal Choir de Bucharest.)

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