Feeds:
Entradas
Comentarios

Archive for the ‘-HISTORIA DE LA MÚSICA’ Category

LA MÚSICA EN EL CLASICISMO.

Se reconoce como Clasicismo al periodo comprendido entre el Barroco y  el Romanticismo, y fechado entre 1750 y 1827, o dicho de otra manera, desde la muerte de J.S. Bach hasta la muerte de Beethoven.
Históricamente es la época en la que se produjeron los grandes cambios sociales y las revoluciones liberales. Es fundamentalmente la época de la Ilustración. 
Sus centros de difusión son, en primer lugar Viena, y también Berlín, París y Mannheim.
La burguesía será el nuevo público y se abandonan los recintos eclesiásticos y los palacios. Aumenta la difusión de la música y la venta de partituras. Los compositores empiezan a ser muy conocidos y viajan por Europa.
Coincide en el Arte con el Neoclasicismo, aunque no va a tomar los valores de la sencillez y la vuelta a la antigüedad  clásica, pero sí, en cambio, los rasgos de perfección y belleza y una vuelta a la naturaleza.
CARACTERÍSTICAS MUSICALES
  • Serán la sencillez y lo armonía simple y la simetría de las frases. Además es una música elegante y refinada. 
Retrato_de_Domenico_Scarlatti
  • La melodía presenta una estructura refinada y regular, con frases bien claras y diferenciadas. Suele haber una melodía principal y las otras voces hacen de acompañamiento. El bajo continuo, tan usado en el Barroco, se suprime. Los acordes se basan en la tónica, dominante y subdominante.   
  • Se utiliza más el modo mayor, más alegre, que el modo menor.
Johann_Christian_Bach_by_Thomas_GainsboroughEn una primera etapa hay que mencionar a  tres  de los veinte hijos de J. S. Bach,  Johann Carl Philipp Emanuel BachChristian Bach, compositor galante, aún del Rococó, conocido como el Bach de Londres, y otros dos en Alemania, Johann Christian Bach  y Carl Philipp Emmanuel  Bach, conocido como el Bach de Berlín.      
Destacan también el italiano Domenico Scarlatti, a caballo Wilhelm_Friedemann_Bachentre el Barroco y el Clasicismo, que fija la forma de sonata y el reformador operístico ChristophChristoph_Willibald_Gluck_painted_by_Joseph_Duplessis Willibald Gluck.
MÚSICA RELIGIOSA
Manuscript_of_the_last_page_of_RequiemEn este campo, no hay grandes innovaciones con respecto a la época del Barroco. Se componen misas y las mejores creaciones serán Misas de Réquiem, o sea misas de difuntos. Entre ellas destaca la Misa de Réquiem de Mozart, que por estar gravemente enfermo, no llegó a terminar, siendo su último número Lacrimosa. El propio Mozart  dejó escritas las instrucciones para que su alumno Süsmayr completara la obra.
Al igual que misas y misas de Réquiem, se componen Motetes. Tanto las misas como los motetes se componen para solistas, orquesta y coro.

Herbert von Karajan dirige la Filarmónica de Berlín. Requiem de Mozart.
ÓPERA
Desde comienzos del siglo XVIII, la ópera era un espectáculo de distinción en palacios  y las cortes. Los temas iban desde la mitología a las tragedias. En esta época, la ópera se intenta acercar al público modesto, simplificándose los temas y creciendo  el número de teatros.
Podemos distinguir dos tipos de ópera:
– OPERA SERIA, con argumentos más complejos, sobre todo mitológicos, difíciles de seguir por los cantantes y el público. Requerían de un gran decorado para su montaje y se cantaban en italiano o en francés. Gluck será quien siente las bases para contentar  e intentar acercarse  al público. Será en su obra “Orfeo y Euridice” , utilizando una música sencilla, haciendo las arias más simples y los recitativos más amenos y expresivos.
 .-ÓPERA BUFFA, que tiene su origen en Nápoles, al intercalar fragmentos cortos y cómicos entre otros más serios. El primer ejemplo podría se “La serva padrona” de Pergolesi. Tienen un cariz satírico y burlesco. También reducen el número de personajes a dos o tres y utilizan un lenguaje coloquial, a veces en las distintas lenguas del pueblo y de cada país. A veces, se sustituyen los recitativos por diálogos sin música. Así, aparecen  el Singspiel en Alemania, la zarzuela en España y la opéra-comique en Francia. El máximo exponente de este tipo de ópera será Mozart, que compone óperas tanto en italiano como en alemán.
FORMAS  INSTRUMENTALES
-PARA MÚSICA DE CÁMARA: 
LA SONATA, ya conocida desde el Barroco, generalmente para un instrumento solista, piano , guitarra o  violín y otro segundo instrumento, como flauta, oboe o violín.  A veces tríos, con violín, violonchelo  y piano; y también para cuartetos de cuerda  o quintetos, de cuerda o de viento. Se toca en casas particulares, generalmente de aristocracia o alta burguesía y pequeñas salas de conciertos.
La sonata tiene cuatro tempos: Rápido (Allegro)Lento (Andante o largo),  Ligero (suele ser un Minueto) y  Rápido (Allegro o presto).
LA SERENATA Y EL DIVERTIMENTOescrita para una pequeña orquesta o banda de viento y para ser tocada al aire libre.
-PARA MÚSICA DE ORQUESTA:
EL CONCIERTO, escrito para un instrumento solista y orquesta.Solo tiene tres movimientos, sin minueto.

Concierto para piano y orquesta nº 20 de W.A.Mozart. Virtuosos de Praga y piano Ivan Klánský.
LA SINFONÍA, escrita para orquesta sinfónica.Quizá fue Haydn quien dio  la forma definitiva a este tipo de obra.
Tanto el concierto como la sinfonía se estructuras de forma semejante a la sonata, en tres o cuatro movimientos:
  • En el primero se sigue un esquema con tres partes: primero una exposición , en la tonalidad principal,  Finalmente la reexposición, en la que la tensión armónica se resuelve al volver a escucharse los temas iniciales en la misma tonalidad.
  • El segundo movimiento, lento, suele ser más melodioso, utilizándose la forma lied, de estructura ternaria y carácter lírico.
  • El tercer movimiento tiene un carácter más desenfadado, generalmente en forma de minueto, danza de origen francés, o de scherzo, como en Beethoven.
  • En el cuarto movimiento se adopta casi siempre la forma rondó, que alterna un tema principal a modo de estribillo, en la tonalidad principal, con episodios en otros tonos.
En esta época aparecen el Crescendo y el Diminuendo, que dan nuevas posibilidades a las sinfonías y conciertos.
 Para nombrar sinfonías se emplea el número de orden en el que se ha escrito. Así se dice  la Novena  sinfonía de Beethoven . Muchas de ellas también tienen un sobrenombre; por ejemplo, la tercera de Beethoven se conoce como la heroica y la Sexta, como La Pastoral y la 101 de Haydn se conoce como la sinfonía del reloj.
Mozart compuso 41 sinfonías, Beethoven, 9 y Haydn más de un centenar.

Sinfonía nº 41, “Júpiter” en C Mayor de W.A.Mozart.
Los instrumentos de la orquesta ya existían en el Barroco, pero algunos de ellos se adaptan y otros surgen, como el pianoforte, que se impuso al clavicordio  y el clarinete, mientras que otros, que cada vez se usan menos, acaban desapareciendo, como la viola de gamba. Las orquestas se van uniformando poco a poco. A finales del siglo XVIII,  ya hay  un modelo de orquesta clásica con una sección de cuerda (violines, violas, violonchelos y contrabajos); una de viento (flautas, oboes, clarinetes, fagots, trompas, etc.) y una de percusión (timbales, platillos, etc.).  Parece que la escuela de Mannheim contó con la mejor orquesta de Europa.

 800px-Symphonic_orchestra-sp_svgorquestasinfonica

—————————————————————————————————-

 

LA DANZA EN EL CLASICISMO
A partir de este momento, la danza se separa definitivamente de la ópera. Se cuentan historias completas, narradassalle_marie solo con la música, sin cantantes. Se adaptan coreografías que antes eran aristocráticas a coreografías acrobáticas, en las que aparecen la vida rural y burguesa.
Maria Camargo por Nicolas_Lancret_Las mujeres tendrán un papel en el ballet, ya que hasta esa fecha los papeles femeninos, como en el teatro, eran interpretados solo por hombres. Aparecen así bailarines profesionales especializados, que practican pasos de gran dificultad. La danza francesa va a marcar su influencia en toda Europa. Las primeras bailarinas se convierten en divas aclamadas por el gran público, como las famosas María Camargo y María  Sallé, en ballets como “Pygmalión” y acortaron sus vestidos y dejaron sus zapatos de taco, para bailar mucho más cómodas.
 
 PRINCIPALES COMPOSITORES
Jan Vácralv Stamic.(1717-1757) compositor, violinista y director de orquesta checo, fundador de la llamadaStamic ‘Escuela de Mannheim’. En su época, en el siglo XVIII. Estudió  violín y se fue perfeccionando también en composición. En 1741 se marchó a Alemania donde pasó a integrar la ‘Orquesta del palacio de Mannheim’ .Fue nombrado jefe artístico de la ya entonces orquesta de cámara del Príncipe Elector del Palatinado, en Mannheim. Cuatro años más tarde le nombraron director de la música instrumental.Allí  se rodeó de otros excelentes músicos y amplió este cuerpo musical con otros instrumentos, especialmente de viento. El nivel de la orquesta creció de tal manera que muchos músicos de renombre de entonces, entre ellos W.A.Mozart, viajaban a Mannheim por el solo hecho de poder asistir a un concierto de esa célebre orquesta . Compuso doce sonatas, seis conciertos para clavecín, cuatro colecciones de sinfonías, una misa..
Christoph W. von Gluck (1714-1787) compositor alemán que reformó la ópera y el ballet. Escribió porChristoph_Willibald_Gluck_painted_by_Joseph_Duplessis ejemplo Ifigenia en Áulide, Don Juan, la fiesta de Apolo, Orfeo y Euridice, el rey pastor, la isla de Merlín, etc. Fue profesor de la reina María Antonieta de Francia. Siempre defendió el equilibrio que debía haber entre la música y las palabras. Siempre estuvo enfrentado a los defensores de la ópera italiana y, en concreto a Piccini.

 

Franz Joseph Haydn  (1732-1809), nació cerca de Viena. Toda su vida la pasó en Austria y tuvo gran amistad con250px-Joseph_Haydn Mozart y fue profesor de Beethoven. Tocaba el clavecín y el violín. Tanto él como su hermano Michael, que luego destacaría como gran tenor,  fueron niños tiples cantores del coro de la Catedral de Viena. Fue nombrado maestro de capilla del conde húngaro  Nicolás Estherhazy, para cuya familia organizaba conciertos y ópera, trabajo que duró unos treinta y cinco años. Mientras tanto compuso innumerables obras, como  Las siete últimas palabras de Cristo en la Cruz y las Sinfonías de París. Dirigía los conciertos desde su pianoforte. Era un devoto católico que comenzaba cualquier manuscrito o composición con la expresión In nomine Domini. Se le conoce como El padre de la sinfonía.
Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) Músico nacido en Salzburgo y fallecido en Viena. Concertista de clave, violín  y piano, abarcó todos los géneros de la música, desde las sinfonías, conciertos,  misas, óperas, cámara, etc.250px-Wolfgang-amadeus-mozart_1 Con tan solo cinco años, ya asombraba a las cortes europeas  con sus interpretaciones y composiciones. A los diecisiete años fue contratado por la corte de Salzburgo y allí desarrolló la mayor parte de su obra hasta su muerte muy joven. Fue de gran influencia posterior para muchos compositores como Beethoven, Casado con Constanze Mozart, tuvo seis hijos. Se convirtió en francmasón, lo que marcará el resto de su vida. En ocasiones interpretaba junto a Joseph Haydn en Viena. Entre sus óperas figuran “Don Giovanni”, ” Las bodas de Fígaro”,” Cosí fan tutte”, “La clemenza di Tito”, “La flauta mágica”. Compuso numerosas misas por encargo, algunas breves . Las más importantes son La Misa de la Coronación” Y la “Misa de Requiem”. Un maravilloso “Ave Verum” para coro. También sonatas para piano, quintetos y cuartetos de cuerda, divertimentos, danzas , serenatas, etc.
Ludwig van Beethoven (1770-1827) Compositor, director de orquesta y pianista alemán. Aunque se expresó en numerosos géneros, las nueve sinfonías fueron su trabajo más importante. Compuso además, treinta y dos sonatasimagesZHX7YEOQ para piano , cinco conciertos para piano y orquesta,bagatelas para piano, como la famosa “Para Elisa”, una ópera,“Fidelio”. En 1792 se trasladó a vivir a Viena, ciudad donde empezó a padecer la sordera. Recibió clases de composición de Haydn y de canto con Salieri. Pasó la última etapa de su vida casi aislado por su sordera y se comunicaba con sus amigos a través de los famosos ” Cuadernos de conversación”. En sus últimos años se dedicó a componer la Misa solemnis en Re. En su funeral fue interpretado el Réquiem de Mozart, uno de sus maestros.
Luigi Boccherini (1743-1805) Chelista y compositor italiano, galante, nacido en la Toscana y fallecido en Madrid de tuberculosis. Manejó texturas muy agudas para el violonchelo con contrapuntos. Son famosos sus quintetos de220px-Luigi_Boccherini cuerda y guitarra.De joven estudió en Viena y después formó un cuarteto de cuerda en Italia, con el que tocaba obras de Haydn y suyas propias. Compuso dos oratorios: “Giuseppe riconosciuto” y   “Gioas re di Giudea” . Viajó a España, donde fue nombrado violonchelista y maestro de capilla del infante Luis Antonio de Borbón. Tuvo seis hijos y, aunque nombrado maestro de capilla de Federico Guillermo II de Prusia, nunca viajó a Berlín y se quedó a vivir en Madrid, bajo el mecenazgo de la Duquesa de Osuna. Fue enterrado en la Basílica Pontificia de San Miguel de Madrid. Su obra más famosa es “Música Nocturna de las calles de Madrid” . Además compuso 28 sinfonías, 21 sonatas para chelo y bajo,unos 200  cuartetos y quintetos de cuerda y once conciertos para chelo y orquesta.
Vicente Martín y Soler  ( 1754-1806)  Hasta  los quince años fue niño cantor de la Catedral de Valencia.A los 21 estrenóMartin y Soler en el Palacio de La Granja “Il tutore burlato”.  Estuvo en la corte de Nápoles. Sin embargo, este compositor valenciano  alcanzó un gran éxito en Viena, donde compuso principalmente ballets y  óperas, como “Una rosa .rara”, que se hizo muy famosa. Fue gran amigo de  Mozart, que  usó el final del primer acto de esta ópera  para el segundo acto de  Don Giovanni. Mas adelante fue compositor de Catalina II en la corte de San Petersburgo. Allí compuso más óperas como “El desgraciado héroe Kosmetóvich”. Después se dedicó a la enseñanza. Compuso más de treinta óperas, enmarcadas dentro de un clasicismo vienés y con predominio de la melodía y fraseo, como ” Il burbero di buon cuore” y “L’arbore di Diana”, que se representaron tantas veces que fue mucho más conocido en Viena que el propio Mozart. Compuso también más de veinte ballets. Además compuso cantatas y música religiosa.
Juan Crisóstomo Arriaga (1806-1826). Vivió solo 19 años por culpa de la tuberculosis. Natural de Bilbao, en España, a220px-Juan_de_Arriaga los once años ya componía . A los quince años, marcha a Paris a completar sus estudios de contrapunto y violín y enseguida fue nombrado profesor. Escribió una ópera en dos actos, “Los esclavos felices” y una sinfonía en Re menor. También escribió música religiosa como el  “Stabat Mater” . Algunas de ellas se han perdido. También tres cuartetos, arias para voces solistas con acompañamiento,comoEdipo” y “Medea”, estudios para piano, etc. Se le compara con Haydn y Beethoven en su juventud y se le conoce como El Mozart español. Hoy, el Conservatorio y el teatro principal de Bilbao llevan su nombre.

Luigi Boccherini: Musica Notturna delle strade di Madrid. Dirige Jordi Savall. Pinturas de Goya.

Mozart: Ave Verum. Niños del King’s College de Cambridge.

Mozart: Misa de la Coronación .en la Basílica de San Pedro del Vaticano. Von Karajan dirige frente a San Juan Pablo II.

Triple Concerto de Beethoven. YoYo-Ma, Daniel Barenboim, Itzahak Perlman.

Haydn. Cello Concert nº 1,C Dur. Mstislaw Rostropowitsch y Academy of St. Martin.

Read Full Post »

LA MÚSICA BARROCA
Se conoce con el nombre de Barroco al periodo comprendido entre 1600 y 1750. Es el momento de las monarquías absolutas en Europa, en el que la Iglesia y la aristocracia tienen mucho poder y para demostrarlo, se convierten en grandes mecenas. Es también un momento de oro en el arte y en la cultura, en el que destacan por ejemplo Calderón, Lope de Vega, Moliére, Velázquez, Rubens, Galileo, Newton, Rembrandt, etc. Se busca el razonamiento científico y la lógica. Se recarga la decoración y se expresa el sentimiento, que se verá reflejado en la aparición de la ópera. Otro factor que contribuye a la difusión de la música, es la proliferación de teatros a partir del siglo XVII, a los que pueden acudir las clases medias, pagando una entrada, sin esperar a ser invitados a una velada en casa de aristócratas o en una iglesia. Los teatros más importantes estarán en el Palacio de Versalles, en la ciudad de Londres, en Venecia y en España, el Teatro de La Granja, el Coliseo del Buen Retiro o el Teatro de Caños del Peral, situado donde ahora se encuentra el Teatro Real de Madrid.
Musica-barrocoEn música se van a crear nuevas técnicas para expresar mejor los sentimientos. En este período se desarrollarán nuevas formas y grandes avances técnicos tanto en la composición como en el virtuosismo; así tenemos: cromatismo, expresividad, bajo cifrado y bajo continuo, intensidad, ópera, oratorio, cantata, sonata, tocata, suite, fuga y la sinfonía. Jean Philippe Rameau es el más importante teórico musical de esta época y junto con Bach estableció el sistema tonal que perdurará hasta el siglo XX. Sus obras son la cumbre del Barroco francés.
 
Así, las características principales de la música del Barroco serán:
– La monodia acompañada, esto es una única melodía con un acompañamiento instrumental.                     bajo-continuo-1
-El bajo continuo: Acompañamiento que consiste en notas graves que se interpretan ininterrumpidamente desde el principio al final de la obra. La ejecución del continuo requiere dos instrumentistas: un instrumento melódico grave (viola, gamba, violoncelo, contrabajo, fagot, etc.) aunque los instrumentos que interpretan el bajo cifrado continuo, que contiene números, normalmente son polifónicos, como el clave, el órgano o el arpa, que dan pie a los otros instrumentos o a los cantantes para realizar su melodía.                                                                   
– Aparece la tonalidad tal y como la conocemos hoy y se generaliza la música utilizando compases, desapareciendo así el ritmo libre.
– Aparición del estilo concertato para la música orquestal. Contrapone distintos planos sonoros y timbres de un grupo de instrumentos: tutti, concertino, soli, etc.
Podemos dividir el Barroco en tres periodos:
PRIMER BARROCO: De 1600 a 1650, en el que predomina la música vocal frente a la instrumental. Comienza en Italia y se busca el máximo esplendor artístico. La sprezzatura italiana, daba paso a lo que sería el más grande espectáculo de la voz humana: la ópera. Los castrati juegan un papel extravagante y grotesco preponderante durante el Barroco. En Italia destacan Claudio Monteverdi y Girolamo Frescobaldi. En Alemania Praetorius.
BARROCO MEDIO: De 1650 al 1710. Se va imponiendo la música instrumental. Se recupera el contrapunto del Renacimiento. Aparece en Italia una nueva forma llamada Concerto grosso. Destacan en esta época Johann Pachelbel, Arcangelo Corelli, Henry Purcell, Lully y Alessandro Scarlatti.
BARROCO TARDÍO: De 1700 a 1760. Predomina totalmente la música instrumental. Se establece totalmente la tonalidad. La música alemana se convierte en la más relevante de este periodo. Destacan compositores como Vivaldi en Italia, Bach y Telemann en Alemania, Haendel en Inglaterra, Rameau y Couperin en Francia y Scarlatti en España.
MÚSICA RELIGIOSA
Hemos de señalar que en el Barroco se incrementará la división de la Iglesia con la aparición del protestantismo y la celebración del Concilio de Trento. La liturgia protestante utiliza desde sus comienzos la música como un elemento central de sus celebraciones, favoreciendo la participación del pueblo y la lengua vernácula para el canto. Los luteranos siguen utilizando el coral.
La música en las celebraciones litúrgicas católicas muestra el optimismo y gozo del concilio de Trento, algo que se manifestará igualmente en todas las artes especialmente en la arquitectura, pintura y escultura. Además de las formas tradicionales de magníficats, motetes y misas, aparecerán, las nuevas: oratorios, pasión y cantatas, aunque van a aprovechar el desarrollo de las nuevas técnicas. Así surge el policoralismo en Venecia.
EL ORATORIO. A partir de textos religiosos sacados de la Biblia, tiene una estructura parecida a las de las óperas, con un narrador que va explicando la acción, recitativos, arias, coros, interludios, etc. Se interpreta en un lugar religioso, aunque no se escenifica. Destacan en este género Haendel con su famoso oratorio “El Mesías” y Johann Sebastian Bach autor del “Oratorio de Navidad”.

Händel: Messiah:”For unto us a child is born”. “Voces para la Paz” Músicos solidarios.
LA PASIÓN. Es un oratorio que se centra exclusivamente en la pasión y muerte de Jesucristo. El narrador es un evangelista que narra mediante recitativos. Los solistas toman el papel de Jesús y de los personajes importantes, mientras que el pueblo es interpretado por el coro. Destaca como compositor Johann Sebastian Bach que compuso dos pasiones: “La Pasión según San Juan” y la “Pasión según San Mateo”
LA CANTATA. Es una forma de música religiosa que combina textos religiosos, salmos, al principio protestantes y textos del evangelio. Es más breve que el oratorio, aunque con los mismos elementos musicales. Los compositores más destacados son Bach y Telemann.

Cantata  BWV147: Chorale ” Jesu bleibet meine freude” de Johann Sebastian Bach.
LA ÓPERA
Aparece a finales del siglo XVI en Florencia. Artistas financiados por el Conde Bardi, investigan sobre la música clásica de Grecia antigua y nace la “Camerata Fiorentina” que crea la técnica de la monodia acompañada y la denominan la obra (ópera) del arte total, ya que incluye otras formas de arte como la poesía, el teatro o la danza.
“Dafne” de Jacobo Peri, es la primera ópera de la que se tiene noticia, aunque no se conserva toda.
A principio del siglo XVII, Monteverdi escribe “Orfeo” y más tarde “el retorno de Ulises” y la “Coronación de Popea”. Es en Italia donde este género va a tener cada vez más importancia. Luego aparecerá en Francia, pero con un estilo diferente.                                            Handel - Masquerade_at_the_King's_Theatre_Haymarket_c1724
PARTES DE UNA ÓPERA:
Obertura. Siempre instrumental, mientras se levanta el telón a modo de introducción.
Recitativos. Cantados por los solistas a modo de diálogos, con apariencia de declamación y acompañados por un bajo continuo, generalmente clave, y luego, más tarde orquesta.
-Arias. Partes más lucidas para los solistas. Es una monodía acompañada. El curso de la ópera parece que se detiene y el protagonista puede expresar sus sentimientos tranquilamente.
Coros. Cantan un número indeterminado de gente que acompañan a los protagonistas.
Ritornellos, o intertludios musicales entre los distintos momentos de la ópera.
En la ópera barroca cabe destacar la figura de los castrati, hombres que de niños habían sufrido una emasculación, por lo cual conservaban su voz de soprano o alto, con lo que cantaban con la pureza de un niño y a la vez, con la potencia y agilidad de un adulto. El origen, siglo XVII, se debe a que en muchos lugares, no se permitía la presencia de las mujeres en los teatros y así, los castrati representaban los papeles femeninos. Uno de los más famosos fue Carlo Broschi, conocido como Farinelli.
Hay distintos tipos de ópera:
ÓPERA SERIA: El tipo más refinado, con argumentos basados en la mitología o personajes de leyenda en la literatura. Como “Orfeo”, ya mencionada.
ÓPERA BUFA: Más sencillas de entender para el pueblo, que a veces refleja el sentir y la crítica de la sociedad. La primera ópera de este tipo fue ”La serva padrona” de Pergolesi.
En Inglaterra el máximo representante será Henry Purcell, compositor de “Dido y Eneas”. En Francia, Lully, que introduce el ballet en la ópera. En Alemania, aparece el Singspiel, parecido a la ópera bufa. Y en España, los recitativos cantados, se cambian por partes habladas, apareciendo así la Zarzuela.

Representación completa de la ópera Orfeo de Monteverdi, dirigida por Jordi Savall
MÚSICA INSTRUMENTAL
Debido a la evolución técnica de los instrumentos, los intérpretes cada vez se especializan más y aparecen los virtuosos.
Hay tres tipos de música instrumental:
MÚSICA PARA SOLISTAS, que permite el lucimiento de los virtuosos. Por ejemplo la Fuga. La fuga se desarrolla en un solo movimiento y consiste en la reaparición constante de un tema o melodía principal, llamado sujeto, acompañado de otros temas secundarios que se juntan en el final de la obra. Los instrumentos más importantes serán el violín, el cave y sobre todo el órgano. Su máximo exponente es Bach.

Sean Jackson interpreta al órgano “Tocata y Fuga en Re Menor” de Johann Sebastian Bach.
MÚSICA DE CÁMARA, interpretada por dos o más instrumentistas, aunque siempre pocos y que se interpretará en salas pequeñas o en reuniones de la aristocracia.
MÚSICA ORQUESTAL. Será a partir del siglo XVII cuando los compositores empiecen a indicar qué instrumentos y cuántos interpretarán cada parte, como por ejemplo Monteverdi.
El número de movimientos que tiene un concierto barroco suele ser de tres, según el esquema rápido-lento-rápido. A veces hay varios solistas que se llaman concertinos además de la orquesta, llamados tutti. Es lo que se denomina Concerto Grosso.son famosos los conciertos de Brandenburgo de Bach o los Seis conciertos de Haendel. También existe la forma de Concerto Solo, para un solo instrumento como “Las cuatro estaciones” de Vivaldi, para violín.

“Conciertos de Brandenburgo, de J. S. Bach
Otra de las formas orquestales es la Suite que consiste en la sucesión de danzas de estilo diferente. Generalmente suele estar compuesta por seis movimientos y suele ser muy rítmica y rica.
La Sonata se suele dividir en tres partes, rápida-lenta-rápida y a veces cuatro movimientos y es una obra para uno o dos instrumentos como piano y clarinete.
La Tocata, originalmente pensada para un instrumento de teclado solista. Puede ser lenta, suave, apasionada, terminando con una fuga, lo que hace que a veces, se confunda con una sonata.
 
LA DANZA DEL BARROCO
Luis XIV bailó en el pael de Apolo con LullyEstará presente, al igual que la música, en las grandes fiestas de la aristocracia.
Feuillet, maestro de baile, crea un sistema de notación para danza en 1700. Se conservan así unas 350 coreografías de danza, que más tarde darán lugar a la Danza Clásica. Son las mismas danzas del Renacimiento: gallardas, pavanas, etc. serán las habituales, pero en 1600 aparece una nueva danza: el Minué.
El Minué tiene su origen en Francia, en la zona del Poitou. Se bailaba en parejas y llegó a ser muy ceremoniosa.

Händel “Watermusic” Minué.
AUTORES DEL BARROCO
-En Italia los más destacados fueron:
Girolamo Frescobaldi (1583- 1643), organista en la basílica de Santa María en Trastevere en Roma y luegoGirolamo Frescobaldi de la basílica de San Pedro. Escribió un gran número de obras para órgano y clavicémbalo, incluyendo tocatas, caprichos, fantasías, canciones, ricercare (nombre genérico para cualquier pieza con contrapunto), danzas y variaciones. Entre sus obras más conocidas se encuentran las Fiori musicali ,una colección de obras de órgano para ser tocadas durante la misa. Publicó dos libros de tocatas entre, entre las que figura la Cento Partite, una de sus obras más virtuosas y experimentales. Su música vocal incluye misas, motetes y madrigales. Su música instrumental es menos conocida, pese a la importancia del Primer volumen de canciones para tocar con cualquier instrumento.
Arcangelo Corelli, (1653-1713) Fue primer violinista de la orquesta de capilla de la iglesia de San Luis deArcangelo_corelli los Franceses de Roma. Posteriormente ingresó en la Academia de la Arcadia. Corelli es considerado como uno de los más grandes precursores de la sonata preclásica y el representante por excelencia del concerto grosso. La música de Corelli ejerció una gran influencia en los compositores alemanes, especialmente en Bach y Haendel. Después de las de Franz Joseph Haydn, las obras de Corelli fueron las más publicadas y reeditadas de su tiempo. Fue famoso por interpretar sus propias obras, Escribió sonatas para violín, viola, violoncello, etc.Giuseppe_Torelli
Giuseppe Torrelli ,(1658-1709) Compositor, violinista y pedagogo italiano. Entre sus obras, eminentemente instrumentales, sobresalen “12 Concerti grossi con una pastorale per il Ss. Natale Op. 8 (1709).”
Claudio Monteverdi 1567-1643) es el primer gran compositor del Barroco que inauguró el nuevo géneroMonteverdi operístico en Italia y Europa. En 1613 Monteverdi fue nombrado maestro de coro y director de la catedral de San Marcos de Venecia, Desde ese momento compuso motetes, y misas. Para componer música religiosa Monteverdi utilizaba gran variedad de estilos que iban desde la polifonía de su Misa de 1610 a la música vocal operística de gran virtuosismo y las composiciones corales antifonales “La obra Selva morale e spirituale,” publicada en 1640, compendio de música sacra donde vuelve a apreciarse toda la gama de estilos que utilizaba Monteverdi.
Antonio Vivaldi. Compositor y violinista italiano, el más influyente de su época Nació en 1678 en Venecia,Vivaldi estudió con su padre, violinista en la catedral de San Marcos. Se ordenó sacerdote en 1703, lo llamaban el “cura pelirrojo”, y comenzó a enseñar en el Ospedale della Pietá que era un conservatorio para niñas huérfanas. Falleció en 1741. Vivaldi escribió más de 500 conciertos y 70 sonatas, 45 óperas, música religiosa como el oratorio Juditha triumphans (1716), el Gloria en re (1708), misas y motetes. Su música religiosa a menudo refleja el estilo operístico de la época y la alternancia de orquesta y solistas que ayudó a introducir en los conciertos.  (Escucha el “Goria” completo aquí)                                                                                 
Tomaso Albinoni ( 1671-1751) Compuso seis sonatas de iglesia para violín y violoncelo, y escribió treinta yAlbinoni seis conciertos. En ellos se adscribe a la tradición del concerto grosso, combinando al mismo tiempo esta tradición con las innovaciones expresivas de Antonio Vivaldi. (Escucha el concierto para dos oboes en C  major, interpretado por The King’s Consort  aquí )
Domenico Scarlatti.1685-1757) Hijo de Alessandro de Scarlatti  , durante su juventud fue compositor_Madrid_domenico-scarlatti de óperas, entre el gran estilo contrapuntístico barroco yel espíritu más sencillo y ligero del posterior período galante, sobre todo por sus más de quinientas    sonatas para clave y música sacra. Murió en Madrid donde vino por motivos del matrimonio de Bárbara de Braganza a cuyo servicio estuvo en Portugal, con el príncipe heredero del trono español Fernando.
Giovanni Battista Draghi, llamado Pergolesi (1710-1736) fue un compositor, violinista y organista. sirvióPergolesi como prototipo por antonomasia de la ópera italiana. En 1746 se estrenó en París sin gran repercusión su obra más famosa, La serva padrona (1733). Sin embargo, el reestreno en París de esta opera buffa, originaría la llamada “Querella de los bufones”, que confrontaría el gusto estético derivado de la tradición de la ópera seria francesa, representada por compositores como Jean-Baptiste Lully y Jean-Philippe Rameau. También compuso ópera seria Il prigioner superbo. Murió a los 26 años.
 
-Los principales músicos franceses del Barroco son:
Marc Antoine Charpentier (1640-1703) En sus comienzos estuvo en Italia. Después, volvió-MA_Charpentier_II a Francia y compuso gran cantidad de música teatral, y mantuvo una fuerte rivalidad con Lully. Fue maestro de capilla de la Sainte-Chapelle. Destacó en música vocal sacra, a la que pertenece su célebre Te Deum. Además compuso Misereres, Magnificats, varios Himnos, y Misas, Oratorios, Salmos, Oficio de Tinieblas, Motetes etc.
Francois Couperin. (1668-1733) Conocido como el Grande, François Couperin es el más destacado yFrancois Couperin universal de los músicos franceses desde el siglo XVI. Es, junto a Jean-Philippe Rameau, el más conocido de los compositores del Barroco francés. Fue organista de Saint-Gervais de París, y clavecinista de la corte de Luis XIV. Compuso obras vocales de carácter religioso entre las que cabe destacar sus motetes y, sobre todo, sus Oficios de Tinieblas y Dos Misas para órgano aunque su obra profana de carácter instrumental es lo más sobresaliente de toda su obra.
Jean- Philippe Rameau (1683-1764) Fue teórico musical, y más tarde también compositor. RaRameaumeau estuvo ligado a las instituciones religiosas, como parroquias y conventos, aunque su obra religiosa fue más bien escasa. Destacan sus motetes como Deus noster refugium, Quam dilecta, In convertendum, Laboravi.
Jean Baptiste Lully (1632-1687) fue un compositor francés de origen italiano, creador de la ópera francesa que consistía en una compleja puesta en escena que incorporabaJeanBaptiste+Lully ópera con estética francesa, además de ballet y profundos textos literarios a los que bautizó como “Tragedias musicales”. Con 20 años, entró al servicio de Luis XIV como bailarín de ballet y violinista. Más tarde dirigió una de las orquestas reales, incluso interpretaron juntos (Luis XIV como Apollo) una obra, Ballet de la nuit. En la ópera francesa abandonó el recitativo secco y lo sustituyó por un recitativo acompañado de bajo continuo. En los ballets, introdujo danzas más rápidas que las que se interpretaban. También estableció la forma de obertura francesa.
-Dentro de los grandes músicos alemanes y austriacos destacan:
Heinrich Schütz. (1585-1672). Dentro de la música alemana. Fue un músico compositor especialmente de música religiosa .entre la que destacan los Salmos de David,Schutz publicados en 1619 y escritos según el modelo policoral establecido por su maestro Gabrieli, tres libros de Symphoniae sacrae, dos volúmenes de Pequeños conciertos espirituales, y, ya en los años finales de su vida, tres Oratorios de Pasiones.
Dietrich Buxtehude (1637-1707) Fue uno de los organistas más célebres del barroco alemán, en la Iglesia de santa María de Lubeck, y por tanto, su obra musical fue casi todabuxtehude música religiosa . Con él la música religiosa luterana alcanzó un esplendor similar a la polifonía de la música católica. La mayor parte de su obra es de carácter vocal, corales, cantatas y también piezas para órgano Se le considera el mejor compositor luterano del siglo XVII.
Johann Joseph Fux. (1660-1741) Compositor austriaco. En Italia tuvo relación con autores polifónicos. La mayor parte de su obra es de carácter religioso Escribió obras para-Johann_Joseph_Fux teclado, sonatas, más de cien misas ,vísperas y salmos, Te Deum, 15 oratorios y 21 óperas.
Johann Sebastian Bach (1680- 1750) Compositor alemán. Considerado por muchos como el más grande compositor de todos los tiempos, Pertenece a una gran dinastía de músicos. Hijo de Johann Ambrosius, trompetista de la corte de Eisenach y director de la música de dicha ciudad. Su carrera musical puede dividirse en varias etapas, según las ciudades en las que trabajó: Arnstadt (1703-1707), Mühlhausen (1707-1708), Weimar (1708-1717), Köthen (1717-1723) y Leipzig (1723-1750). En las dosJohann_Sebastian_Bach primeras poblaciones, sobre todo en Mühlhausen, tuvo la oposición de ciertos estamentos de la ciudad. En Weimar pudo desarrollar su talento. Aquí fue nombrado organista de la corte ducal, donde compuso obras para órgano como la mayor parte de sus corales, preludios, tocatas y fugas. En 1717 Johann Sebastian fue nombrado maestro de capilla de la corte del príncipe Leopold de Anhalt, en Köthen, uno de los períodos más fértiles como compositor, durante el cual durante el cual compuso parte de su música orquestal e instrumental como los dos conciertos para violín, los seis Conciertos de Brandemburgo Durante los últimos veintisiete años de su vida fue Kantor de la iglesia de Santo Tomás de Leipzig, A esta etapa pertenecen sus mejores obras corales, como sus dos Pasiones, y la Misa en si menor y el Oratorio de Navidad. A pesar de padecer cataratas, lo que afectó a su última etapa, la música vocal de Bach, que ha llegado a nosotros comprende en total 224 cantatas, 10 misas, 7 motetes2 Pasiones completas,(de la de San Marcos, sólo existe el libreto, y la de san Mateo ,la de San Lucas, es apócrifa), 3 oratorios. 188 corales. 4 lieder. 1 quodlibet y 58 cantos espirituales.
-En Gran Bretaña merecen mención:
John Blow (1649-1708) Compositor inglés. Fue organista de la abadía de Westminster. Entre sus obras destacan piezas para clave. Su obra más famosa es Oda a la muerte deJohn Blow 2 Henry Purcell. Compuso varios himnos siendo aún muy joven como Lord, Thou host been our refuge (Señor, en ti está nuestro refugio), Lord, rebuke me not (Señor no me reproches), y I will always give thanks (Siempre daré gracias)
Henry Purcell (1659-1695) Formó parte del coro de la Capilla Real desde niño y tuvo por maestros a John Blow. En 1677 fue nombrado compositor de los violines del rey, y enHenry+Purcell 1679 sustituyó a Blow como organista de la abadía de Westminster. Compuso obras de carácter religioso, entre las que destacan algunos anthems Himnos y oficios como I was glad, in the midst of life, ( Me alegré, en medio de la vida) Morning and evening service ( Oficio de la mañana y de la tarde) y Te Deum and jubilate.( A ti Dios te alabamos y alegraos) Además las odas dedicadas a Santa Cecilia, como Welcome to all the pleasures (Bienvenidos a todos los placeres), y Hail bright Cecilia (Salve Cecilia brillante). También es muy famosa la ópera Dido y Eneas. 
Georg Friedrich Haendel (1685-1759) Compositor alemán nacionalizado inglés, cultivó todos los géneros de su época, en especial la ópera y el oratorio. De su etapa italiana-George_Frideric_Handel_by_Balthasar_Denner es el oratorio La Resurrezione. En Inglaterra adquirió fama con composiciones profanas, aunque posteriormente se dedicaría a la composición de oratorios como El Mesías, su obra más famosa. Con textos en inglés y tema bíblico, compuso también otros oratorios como Sansón, Belshazzar, Judas Maccabeus, Israel en Egipto, entre otros.  (Escucha  “Dixit Dominus” aquí )
-En España:
Francisco Valls que escribió Misa Aretiana, con muchas innovaciones armónicas.
Mateo Romero. Fue cantor (desde 1594) y director (desde 1596) de la capilla real de Madrid. Se conservan diversas piezas religiosas y profanas; sin embargo, su obra más relevante es la Missa bonae voluntatis.
Padre Antonio Soler, (1729-1783) Fue discípulo de Domenico Scarlatti. Considerado el mejor compositor hispano del siglo XVIII, ingresó en el coro del monasterio catalán de Montserrat a los siete años. Miembro de la Orden de San Jerónimo del monasterio de San Lorenzo de El Escorial desde 1752, Recibió lecciones de Domenico Scarlatti. Su influencia se ve en la serie de 120 sonatas para clave escritas por Soler, y bajo el esquema formal bitemático del italiano, con toques de tradición española. También compuso de música vocal sacra y profana, 9 misas y 132 villancicos entre otras obras. (Escucha el Fandango en Re menor del Padre Antonio Soler para clavicordio aquí )
Gaspar Sanz, de nombre real Francisco Bartolomé Sanz Celma, (1640-1710). Fue compositor, guitarrista y organista. Escribió tres libros de pedagogía y obras para guitarra barroca. (Escucha  Marionas interpretadas por Jácaras)
Algunos compositores españoles desarrollaron su obra en América Latina como:
Juan de Araujo, de origen español aunque su obra musical se produjo en la América Hispana. Fue maestro de capilla en la catedral de Lima en el Perú. Luego se instaló en la capilla de la catedral de Cuzco y más tarde en 1680 de la catedral de Sucre, en Bolivia, donde se conservan sus obras tanto profanas como religiosas especialmente villancicos
Tomás de Torrejón y Velasco. (1644-1728) Fue cantor de la catedral de Lima y escribió música religiosa sobre todo villancicos. Compuso la primera ópera americana: La púrpura de la rosa.
José de Campderrós, (1747-1809) Nacido en Barcelona, y primero trabajó como comerciante, haciendo los votos religiosos en la Orden de los Hermanos de la Buena Muerte,órgano de los jesuítas. Catedral Santiago Chile ganó la plaza de organista en la catedral de Santiago de Chile donde se conservan sus 85 obras conocidas, la mayor parte de carácter religioso 15 misas, himnos, salmos, oficios de difuntos.
. El arquitecto jesuita Hans Roth descubrió en 1972, más de cinco mil quinientas páginas de partituras de música barroca en las localidades de Santa Ana y San Rafael, pertenecientes a las reducciones jesuíticas. Son la muestra del trabajo que se realizaba en estas misiones en las que no solamente hay autores españoles sino indígenas y criollos. Entre ellos se encuentran Matías Durango, Bartolomé Massa, y Lobo de Mesquita.
 
LOS INSTRUMENTOS  que más se utilizan en el Barroco son:
 
INSTRUMENTOS  DE CUERDA:
El violín: comienza su apogeo en esta época. Familias de luthiers, como los famosos Stradivari, realizan los mejores violines de la historia. La familia de cuerda frotada (violín, viola, violonchelo y contrabajo) , pero más que ninguno el violín, son los grandes protagonistas de la música barroca.

Concierto con algunos de los Stradivarius del Palacio Real de Madrid.
.El clave, clavicémbalo o el clavicordio será uno de los instrumentos más utilizados en esta época, tanto para interpretar el bajo continuo, como para solista.órgano barroco de la catedral de Toledojpg
INSTRUMENTOS  DE VIENTO:
El oboe: que aparece en Francia hacia 1650 como adaptación a la chirimía renacentista. 
El clarinete:  que comienzan a construirse a principios del siglo XVIII.
.El órgano se va a convertir en el instrumento rey,               
 instrumentosBarroco
 
 
 

Read Full Post »

LA MÚSICA DEL RENACIMIENTO
Con el ascenso de la burguesía como clase social, la música pasó de ser un privilegio sólo al alcance de la nobleza y el alto clero, y ejecutada exclusivamente por profesionales, a ocupar también un lugar en el ocio de las clases medias. Tocar un instrumento musical pasó de ser tarea propia de menesterosos a refinado pasatiempo de las clases altas.
Es pues, la música   escrita entre los años 1400 y 1600, aproximadamente. Las características estilísticas que definen la música renacentista son su  textura polifónica que sigue las leyes del contrapunto, y está regida por el sistema modal heredado del canto gregoriano. Por tanto, la principal característica  de la música del Renacimiento se podría sintetizar en que hay un mayor cromatismo, con más cantidad de notas y adornos y se incorpora el concepto de belleza.                                                                  
Aparecen lo que se llama capillas , institución de aprendizaje musical, ligada a la Iglesia y en la que se entra de pequeño.
Entre sus formas musicales más difundidas se encuentran la misa y el motete en el género religioso, el madrigal, el villancico y la chanson en el género profano, y las danzas, el  ricercare y la canzona en la música instrumental. Entre los JOSQUIN DES PREScompositores más destacados de este periodo se hallan Josquin Des Pres,(o Desprez) que compuso tanto obras religiosas comoGiovanni_Pierluigi_da_Palestrina profana; Giovanni Pier Luigi da Palestrina,que destaca por su religiosidad y dominio del contrapunto;  Orlando di Lasso , Claudio Giovanni Antonio Monteverdi , padre de la ópera y Tomás Luis de Victoria. Estos músicos viven protegidos por los grandes mecenas, bien  de tipo eclesiástico, trabajando  por lo general como organistas, o bien para personajes importantes, mucho mejor remunerados.
La música renacentista se caracteriza por una suave sonoridad, con superposición de líneas melódicas que forman acorde. El prototipo de obra musical renacentista es una pieza vocal de textura polifónica, más aún que en el Ars Nova,  frecuentemente imitativa, escrita para entre tres y seis voces, aunque hay obras para ocho e incluso más,  de carácter cantabile; Hay cuatro voces básicas: Cantus o Soprano, la voz femenina más aguda; altus  o contralto, voz femenina más grave; tenor, voz masculina más aguda y  bassus o  bajo, voz masculina grave.                                                                                  Claudio_Monteverdi_1567-1643

Orlando di Lassus

Se daban la homofonía, una melodía  con una sucesión de acordes; el contrapunto en el  que a veces una voz  imitaba en el mismo tono o en otro a lo propuesto por otra voz anteriormente; y mixta, que era mezcla de las dos anteriores.
 
Géneros y formas:                                                                                               morales c                                           
MÚSICA RELIGIOSA:
Se expande rápidamente por toda Europa con la impresión musical.
La Reforma luterana promueve  el canto en lengua vernácula durante las celebraciones eclesiásticas, lo que dará origen al coral luterano, que es un canto sencillo, normalmente acompañado por un órgano.
En Inglaterra, el rey Enrique VIII también se separa de la iglesia de Roma y crea la iglesia anglicana.A partir de este momento, la iglesia anglicana desarrolló una nueva forma musical denominada ANTHEM, que es un motete a cuatro voces, el cual se cantaba durante las celebraciones litúrgicas.
Francisco_Guerrero. 1528-1559 por Francisco Pacheco jpgLa Iglesia católica  mantiene los cantos de la misa en latín, aunque de forma clara para que se pueda comprender el texto.  victoria
La misa cubría el ciclo del ordinario (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus-Benedictus y Agnus Dei). Para ello se seguían dos procedimientos de composición principales:
  • Misa de cantus firmus: el autor toma una melodía preexistente, bien procedente del canto llano o bien de alguna canción profana, o incluso popular, y la sitúa en una de las voces, habitualmente la llamada Tenor. Las otras voces son creadas ex novo, completando una textura generalmente a cuatro voces, y son llamadas Cantus o Superius, Contratenor Altus (luego Altus) y Contratenor Bassus (luego Bassus). De estas denominaciones proceden los nombres actuales de las voces según sus tesituras. La misa de cantus firmus es típica del siglo XV; ejemplos de ella son las innumerables basadas en la canción L’homme armé, tales como las de Dufay, Busnois, Ockeghem, Guerrero, Morales, Palestrina…
  •  ( Kyrie de la Missa Brevis de Palestrina)
  • Misa parodia o de imitación: el compositor toma un motete o una canción polifónica anterior (propio o de otro autor), este ya de tipo polifónico, y utiliza el material melódico y armónico: motivos de imitación, cadencias típicas o a veces incluso fragmentos completos, pero reelaborando el material, añadiendo motivos y a veces voces nuevas, y siempre, naturalmente, cambiando el texto. Este es el procedimiento habitual en el siglo XVI, como ejemplifican la Misa Malheur me bat de Josquin Desprez, 
  •   la Misa Malheur me bat de Josquin Desprez)
  • El motete renacentista era una pieza polifónica de texto sacro y en latín. Procedía del motete medieval. En el motete el autor generalmente creaba material puramente original, sin tomar préstamos ajenos como en la misa. En el siglo XVI se desarrollan amplios motetes bipartitos y, en la escuela veneciana, los policorales, para ocho o incluso doce voces. Ejemplos sobresalientes de motete renacentista son el Ave María de Josquin o el Lamentabatur Jacob de Morales.

(O Magnum Mysterium  de Tomás Luis de Victoria. Interpretado por The Sixteen, dirigidos por Harry Christophers)

 (Lamentabatur Jacob de Morales por Hilliard Ensamble)
Géneros sagrados importantes, ya en lengua vernácula, fueron el villancico religioso español, el madrigal espiritual, la lauda italiana y el coral luterano.
 
MÚSICA VOCAL PROFANA:                                                                     G.Campi, Bildnis eines Lautenspielers
  • En Italia, la villanella, la frottola y el madrigal.
  • En España, el romance, la ensalada y el villancico.
  • En Francia, una vez superadas las formas fijas medievales aún vigentes en la escuela borgoñona (rondeau, virelay,  ballade) se creó la peculiar chanson polifónica parisina.
  • En Inglaterra se imitó el estilo madrigalístico italiano, apareciendo  hacia 1600, el ayre,   la canción isabelina, para un solista acompañado de con laúd. Destaca como compositor John Dowland.
Hacia el final del período aparecen los primeros antecedentes dramáticos de la ópera tales como la monodia, la comedia madrigal y el intermedio.
 ( El Grillo de Josquin Des Pres.)
 MÚSICA INSTRUMENTAL:
-Virginal.jpg París Museo de la músicaSe crearon familias completas de cada instrumento. Cada tamaño se nombraba con el nombre de la voz correspondiente. Así la flauta  soprano, alto, tenor, etc. Mucha música polifónica se ejecutaba de forma puramente instrumental, fuera en conjuntos homogéneos (llamados ensamble o consorts), en grupos que combinaban instrumentos de diversas familias o sobre instrumentos propiamente polifónicos, como el órgano, el virginal, el arpa, el laúd o, en España, la vihuela.

(  Jordi Savall y consort de violas de gamba Hesperion XX  interpretan   “Lachrimae Antiquae”)
Como muchos instrumentistas eran incapaces de leer música, ya que muchos eran aficionados, aparecen las llamadas tablaturas, un lenguaje musical propio para cada instrumento.

 (Greensleeves  Interpretada por Jordi Savall, oficialmente anónima, registrada en Londres en 1580 , aunque se dice que fue compuesta por el rey Enrique VIII para la que luego fue su esposa Ana Bolena.)
Las principales formas instrumentales de la época fueron:
  • Formas derivadas de modelos vocales: al tocar habitualmente los instrumentistas piezas vocales, compusieron formas similares, si bien sin texto: del motete derivaron piezas polifónicas imitativas, llamadas ricercare, precursora de la fuga, fantasía o tiento, mientras que de la chanson derivó la canzona, generalmente más viva y más dividida en secciones que los anteriores.
  • Danzas: una de las funciones tradicionales de los instrumentistas era, naturalmente, el acompañamiento de la danza. Solían estar escritas a cuatro voces, en una sencilla textura homofónica. Hay abundantes ejemplos de danzas de todo tempo y compás, como la bajadanza, la pavana, la gallarda, la alemanda o la courante.

  • (Danzas renacentistas: Pavane. Desde el castillo de Kronborg, Dinamarca)
  • Formas improvisatorias: los músicos anotaban a veces sus improvisaciones más logradas. Podía tratarse bien de puras improvisaciones para un instrumento polifónico (toccata, preludio, de nuevo tiento), bien de variaciones melódicas ornamentales sobre una o varias voces de un modelo vocal preexistente (recercada, disminuciones) o bien de largas series de variaciones sobre un basso ostinato muy conocido, como la romanesca, el Conde Claros, el passamezzo
TEORÍA Y NOTACIÓN:
Las composiciones del Renacimiento estaban escritas únicamente en partichelas; las partituras generales eran muy raras, y las barras de compás no se usaban. Las figuras eran generalmente más largas que las usadas en nuestros días; la unidad de pulso era la semibreve, o redonda.Vihuela-Tablatura_Fuenllana_1554
420px-Missa_alma_redemptoris_(Luis_de_Victoria)
 
MÚSICA RENACENTISTA ESPAÑOLA:
Como en las letras, el siglo XVI es también el Siglo de Oro de la música española. Destacan las obras de los compositores Tomás Luis de Victoria, Cristóbal de Morales y Francisco Guerrero.
La música durante el renacimiento español fue fuertemente influenciada por la árabe. Entre las obras más importantes del renacimiento se destacan: el Cancionero de palacio, música de la corte de Isabel I de Castilla y Fernando II de Aragón, el cancionero Al-Ándalus, los libros en cifras para vihuela de Alonso Mudarra, los compositores Luis de Narváez  y el madrigalista Juan del Encina.
(Qu’es de tí desconsolado? de Juan del Encina- Cancionero de Palacio)

 (Hoy comamos y bebamos, Juan del Encina, por Jordi Savall)
( Matona mía cara de Orlando di Lassus por el Madrigal Choir de Bucharest.)

Read Full Post »

LA MÚSICA EN LA EDAD MEDIA: PROFANA

La mayor parte de los manuscritos que nos quedan son religiosos y apenas han llegado documentos escritos de música profana. Los copistas y teóricos eran monjes a quienes no interesaba este tipo de música.
Trovadores y troveros
Los trovadores fueron poetas-músicos cortesanos que tuvieron una gran importancia durante la Edad Media, sobre todo en Francia y España. Su arte nació en la Provenza, siguiendo el modelo la poesía popular. El tema principal de los poemas y canciones era el amor caballeresco. EL trovador enamorado, siempre noble, rendía homenaje a su amada una dama del más alto rango social, muchas veces casada a la que amaba platónicamente. Estos personajes, que surgieron a finales del siglo XI, emplearon la lengua provenzal. Los troveros también surgieron en Francia, pero en el norte, por lo que se expresaron y compusieron sus canciones en una lengua distinta: La Langue d’Oil, que más tarde dio origen al francés actual. Los troveros desarrollaron su actividad desde el siglo XII. Sus antecesores, los trovadores, surgieron en las cortes; con el nacimiento de las ciudades, se vincularon a la burguesía, estableciéndose en gremios.
Las líricas del trovador estaban pensadas para ser cantadas y se acompañaban con instrumentos pensados para duplicar la melodía, partiendo de la base de que toda la música que ha sobrevivido es monofónica. La mayoría de las canciones trovadorescas son estróficas, basadas en modelos repetidos a lo largo de toda la canción.
Adam de la Halle (1240-1287), se conocen numerosas composiciones. Una de las más conocidas es  “Jeu de Robin et Marion” (el juego de Robin y Marian). 

Ensemble Micrologus interpreta fragmentos de esta composición. 
En Francia también destaca el filósofo Pedro Abelardo, entre otras cosas famoso por sus amores con Eloísa, a la que escribió numerosas canciones y poemas, de los que no han quedado muchos, pero sí compuso unos cien himnos para el monasterio de Argenteuil, donde su amada se  había retirado. También compuso unos lamentos bíblicos.  
Trovadores y troveros gozaron de gran prestigio, hasta al punto de que algunos de ellos eran nobles incluso reyes, como Ricardo Corazón de León, autor de Ja nus hons pris   y Alfonso X el sabio.

En Alemania aparecen los llamados Minnesänger en el siglo XIII, que eran cantores del amor, entre los que destacó Walther von der Vogelweide, quizá el poeta alemán más importante  que se atreve a relatar los amores entre los caballeros y las campesinas y a la vez, predica las cruzadas.  y los Meistersinger, en el siglo XIV, que como su nombre indica, eran maestros cantores y se agrupaban en gremios.

Jaufré Rudel de Blaia (1125-48), Guillermo de Aquitania y Poitiers  (1071-1127),la Condesa Beatriz de Dia, Teobaldo I, rey de Navarra (1201-1253), Guiraut Riquier (1254-1292), etc, fueron otros de los grandes trovadores medievales.
 


Podemos agrupar las composiciones de los trovadores según su temática en:
Cansó: Dedicada al amor cortés
Sirventés: Tipo de canción que el trovador dedica al noble que le mantiene
Canción del alba: Cuando el amante tiene que despedirse de su amada.
Y las de los troveros en:
Laís: Queja amorosa o canto a la Virgen.
Canción de mal casada: en la que una mujer casada con un hombre mayor, se queja de su marido.
Canción de trabajo: Para ser cantada mientras se realizan diversas labores.
Juglares
Eran generalmente de clase social baja y solían cantar composiciones de otros, que aprendían de viva voz. La mayoría de ellos también participaban en espectáculos haciendo malabares y muchas veces también como bailarines o acróbatas. A continuación contaban historias y ejercían de periódico de la época.
Los juglares evolucionan, e incluso llega un momento en el que se ven obligados a escribir la música, usando al principio neumas y más tarde la notación cuadrada. Aparecen los llamados Ministriles,que son músicos instrumentistas profesionales. Eran hombres y mujeres que erraban solos o en pequeños grupos, de aldea en aldea y de castillo en castillo, ganándose un precario sustento con el canto, la ejecución instrumental, la prestidigitación y la exhibición de animales amaestrados. Se trataba de marginados sociales a los que a menudo, se les negaba la protección de las leyes y los sacramentos de la Iglesia.Solían interpretar las canciones de los trovadores y los troveros y la temática principal de sus obras eran los cantares de gesta.Podemos destacar a Marcabrú, un juglar gascón muy conocido, uno de los más famosos de la vieja generación de trovadores. Entre sus patronos figuran Guillermo X de Aquitania y Alfonso VII de Castilla. Cosa rara, era un misógeno. Inició el estilo ” trobar clos” en lengua de Oc, or clus en Francés, un estilo duro con poemas crípticos. Han sobrevivido más de cuarenta de sus poemas, pero solo cuatro melodías, incluyendo la canción de Cruzadas “Pax in nomine Domini” que probablemente data de 1137.
Aquí podemos escuchar esta canción interpretada por Eduardo Paniagua:
Muchas de estas obras están registradas en el famoso Codex Montpellier,que contiene 336 obras de la Polifonía francesa del siglo XIII principalmente.
Guillaume Dufay compuso “ Vexila Regis” un himno para coro de hombres y flauta, también durante la Primera Cruzada.                                                            
Otra modalidad son los Goliardos, instrumentistas clérigos pobres o estudiantes pícaros que escribían poemas satíricos en latín en los que criticaban a la Iglesia, al poder o a la sociedad. También solían ensalzar el juego, el vino y los placeres de la comida, por ejemplo. De ellos derivaría la tuna actual.
Dentro de los cánticos goliardos, destaca el Codex Buranus, más conocido como Carmina Burana ( Cantos de Beuern, Alemania), que proceden de los siglos XII y XIII, y que se conservan en un único manuscrito o Codex, hallado durante el siglo XIX  en una abadía de Baviera. En ellos se satiriza a todas las clases sociales y narran sobre la naturaleza y el amor. Consta de seis partes. Carl Orff realizó una versión moderna (hacia 1935) muy conocida, en forma de cantata, escogiendo algunos carmina en latín, para coro, solistas, orquesta y percusión.


—————————————————————————————————————————————————
En la Península Ibérica destaca el juglar gallego Martín Codax del s. XIII, que compuso siete Cantigas de amigo, seis de ellas con acompañamiento musical. Tratan sobre el canto de una mujer que está esperando a su amado.

Un capítulo especial merecen las Cantigas a Santa María, con más de 400 obras dedicadas a la Virgen. Debió realizarse en la 2ª mitad del siglo XIII, hacia 1250-80, bajo la dirección del entonces rey de  Castilla Alfonso X “ el Sabio”. La temática general de las Cantigas es la narración de milagros acaecidos por la intercesión de la Virgen ( denominadas Cantigas de miragre ). Sin embargo, a lo largo de toda la colección, cada 10 piezas aparece una que no es narrativa sino que tiene una intención más lírica. Estas son conocidas como Cantigas de loor. En ellas se alaba a la Virgen María, se agradece su actitud mediadora o se cantan sus virtudes..

El término cantiga se utilizó ampliamente en el reino castellano hasta la mitad del siglo XV para designar una composición poético-musical, ya fuera sacra o profana, en lengua galaico-portuguesa.

DANZAS
La Iglesia desde el s. V, y durante el resto de la Edad Media, no aceptaba bien la danza,  excepto aquella que servía para entretener a los peregrinos a la llegada a los grandes centros de peregrinación, la gran mayoría de casos la danza era rechazada por la Iglesia por tener contenido pagano. Algunas de la danzas más conocidas en la Edad Media, fueron las danzas macrabras durante los siglos XI y XII .La danza de la muerte comenzó como respuesta a la Peste Negra que mató a más de 50 millones de personas en 200 años. Esta danza se extendió desde Alemania a Italia en los siglos XIV y XV .
Los bailarines golpeaban fuertemente el piso marcando un tiempo de ritmos rápidos. En los palacios y los castillos, los nobles practicaban otro tipo de danza conocida como Danza Alta, con movimientos más majestuosos y elegantes, para diferenciarla de la danza bailada por el pueblo.
Las formas de danza en la Edad Media incluían el carol y la estampie. El carol consiste en un círculo de bailarines cogidos de la mano, con los bailarines bailando mientras cantaban. Tanto el carol como la estampie son también formas musicales. La navideña carol (como forma musical) sobrevive hasta la época moderna.
La basse danse o baja danza fue la danza cortesana más popular en el siglo XV y parte del XVI.
La basse danse más tarde dio lugar al desarrollo de la pavana. La basse danse en ocasiones se emparejaba con el tourdion, debido a sus tempos contrastantes, y ambos fueron bailados con la pavana y la gallarda.
En el siguiente vídeo se puede escuchar el tourdion, interpretado por el grupo de Jordi Savall

Read Full Post »

LA MÚSICA EN LA EDAD MEDIA: RELIGIOSA- GREGORIANO.
Tras la caída del Imperio Romano en occidente, la Iglesia se convirtió en el eje fundamental de la vida medieval. Se cree que los primitivos cantos cristianos nacieron a semejanza de los que cantaban los judíos en las sinagogas, de hecho, utilizan el hebreo, el arameo o el griego y más tarde, ya en el siglo IV y V, el latín, aunque, debido a la gran extensión del imperio,  en cada lugar se cantaba de una manera diferente. La reunificación se  llevó a cabo en tiempos del papa Gregorio Magno ( del 590 al 604) por la cual este tipo de canto recibe el nombre de Gregoriano.   
El gregoriano es un canto monódico sin acompañamiento de instrumentos y su texto religioso, está escrito en latín. Se usaba para acompañar los oficios religiosos y la Santa Misa. Monjes y religiosos compusieron música para a hacer más solemne la liturgia. El elemento más importante es el texto, que debía ser comprendido por todos y tenía carácter de oración.
En tiempos de Carlomagno, se hizo difundir, por interés político, el carácter divino del canto gregoriano, que Dios mismo había inspirado al papa Gregorio Magno.
La música gregoriana intenta dar sentido a las palabras latinas usando el canto a capella, es decir a una sola voz y sin instrumentos. Se canta con un ritmo libre, sin compás o sin medida, dejando al texto latino el papel  determinante para adaptar la música a las necesidades del texto. Normalmente utiliza un ámbito de séptima, octava o novena y a veces de sexta. Tampoco esta melodía tiene grandes intervalos, que en general son de tercera o cuarta. Se suele comenzar con una nota más grave, se eleva a notas más agudas según avanza la frase y se desciende a notas graves otra vez . El canto gregoriano se clasifica en Silábico: Cuando cada sílaba se corresponde con una nota. Salmódico: Sobre una misma nota recitativa aparecen muchas sílabas del texto. Neumático: Cuando cada sílaba del texto lleva dos o tres notas, y Melismático: Cuando lleva más de tres notas por sílabas.   
Hasta el siglo IX y X, las composiciones se transmiten de forma oral y no escrita. Se empieza a escribir cuando surge la necesidad de dar a cada uno de los miembros de la comunidad una copia con idéntica melodía.
Las formas litúrgicas más importantes del gregoriano son:
1-El oficio de las horas: San Benito fija el oficio dividido en horas repartidas a lo largo del día y de la noche. Los monasterios que se fundan bajo la regla de San Benito son verdaderas escuelas de canto. Este  ciclo de horas comprende:-Maitines -Laudes -Prima -Tercia -Sexta -Nona-Vísperas. Estos cánticos podían tener forma de salmo, himno o cántico. El cántico sería igual que el himno (repetición de estrofas, con igual melodía alguna de ellas) pero proviene  directamente de la Biblia.
2-Misa: En la que hay 2 secciones bien diferenciadas:
El ordinario (Parte invariable de la misa). El propio: (Parte variable de la misa)
-Ordinario: Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus ,Benedictus , Agnus Dei  e Ite.
Propio: Introito (que anuncia a los fieles la entrada del sacerdote) Gradual (un canto de reflexión sobre los pasajes de las Escrituras) Tracto , (que sustituía al Gradual en los días de Penitencia) Secuencia, Ofertorio y Comunión.                                                                                 
la llamada neumática, que consiste en lo siguiente: para ayudar a la memorización del canto se escriben encima de las palabras unos signos llamados neumas cuya función es doble, indicar el movimiento de la melodía y fijar por escrito los gestos del maestro. Aun reconociendo el adelanto que esta notación supone, lo cierto es que todo aquel que no conociera de antemano y de memoria el canto no podía aprenderlo por medio de los neumas, ya que éstos sólo indicaban si la melodía subía o bajaba, pero nunca precisaba los sonidos.
Así empezaron a utilizarse neumas. Sin embargo, era un sistema muy imperfecto. Primero Hucbaldo y, más tarde, Guido d’Arezzo emplearon líneas paralelas para situar los signos musicales.
Siglos después, los neumas fueron sustituidos por unos signos más claros y de forma cuadrada. Esta notación cuadrada, junto a las líneas del pentagrama, sirvió para la altura de los sonidos.
Un paso adelante en este asunto supuso trazar una linea sobre las letras del canto y fijar que cada neuma colocado sobre esa linea tuviera el mismo sonido. La letra que encabezaba la linea se llamó Clave. A esta linea se la aplicaron hasta tres líneas de distintos colores y los neumas comenzaron a colocarse sobre las lineas y entre los espacios que quedaban entre ellas. Asimismo los neumas se modificaron y se llegó a la notación cuadrada.
Guido de Arezzo fue un monje benedictino, teórico musical y figura central de la música de la Edad Media junto con Hucbaldo (840 – c. 930). Perfeccionó la escritura musical con la implementación definitiva de líneas horizontales que fijaron alturas de sonido, cercano a nuestro sistema actual y acabando con la notación neumática. Finalmente, después de ensayar varios sistemas de líneas horizontales se impuso el pentagrama griego: cinco líneas. En su estancia en Arezzo, desarrolló nuevas técnicas de enseñanza, incluyendo el tetragrama (pauta musical de cuatro líneas), precursor del pentagrama, y la escala diatónica.
Guido de Arezzo es también el responsable de los nombres de las notas musicales. En la Edad Media, las notas se denominaban por medio de las primeras letras del alfabeto: A, B, C, D, E, F, G (comenzando por la actual nota la).
En aquella época solía cantarse un himno a san Juan el Bautista —conocido como Ut queant laxis— atribuido a Pablo el Diácono, que tenía la particularidad de que cada frase musical empezaba con una nota superior a la que antecedía.
Guido tuvo la idea de emplear la primera sílaba de cada frase para identificar las notas que con ellas se entonaban. El texto en latín de este himno rezaba así:
Ut queant laxis,                                                                             
Resonare fibris,
Mira gestorum,
Famuli tuorum,
Solve polluti,
Labii reatum,
Sancte Ioannes.
“Para que puedan con toda su voz cantar tus maravillosas hazañas estos tus siervos, deshaz el reato de nuestros manchados labios, ¡oh, bendito San Juan!”
Puedes escuchar este himno a San Juan aquí:
Guido de Arezzo denominó a este sistema de entonación solmisación (en latín, solmisatio), y más tarde se le denominó solfeo. Posteriormente, en el siglo XVII, Giovanni Battista Doni sustituyó la nota UT por DO, pues esta sílaba, por terminar en vocal, se adaptaba mejor al canto. También mucho más tarde, a finales del siglo XVI, fue introducida por Anselmo de Flandes la séptima nota, que recibió el nombre de SI (de Sancte Ioannes). Los países donde no llegaron los músicos latinos siguieron con el antiguo sistema de las letras del alfabeto, tal es el caso de los países anglosajones, Alemania, los países escandinavos, etc
En Hispania aparece un tipo de canto llamado Liturgia Hispánica, también conocido como  mozárabe o visigodo, con una gran influencia de las comunidades judías de los siglos VII y VIII, cuando Recaredo y sus nobles visigodos se convierten al catolicismo. Estos cantos aparecen en los misales, códices  y reglas monásticas, como los que recogen las Etimologías de  San Isidoro de Sevilla. La notación es neumática y como no conocía la notación de Guido D’Arezzo, la interpretación actual es muy difícil.La mayoría de las veces los cantos se desarrollan sobre las partes fijas de la misa. ( Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus y Agnus Dei)
 Escucha  el  Pater noster de la misa mozárabe aquí:
 En el s. IX, ya empieza a usarse el canto gregoriano, que entra por el norte de la Península desde Europa.
A  partir del s. XI empezó a surgir la polifonía, el canto a varias voces. Primero solo dos, y se hizo de una manera sencilla: El organum, la voz principal cantaba gregoriano y una segunda voz, llamada voz organal, duplicaba la principal, pero la distancia de una 4ª o una 5ª, más baja.
Poco a poco las dos líneas melódicas fueron independizándose. Aparece el Motete que consistía  en una melodía gregoriana y dos  voces independientes superpuestas.
Escuha aquí este motete que ya mezcla el canto gregoriano con la polifonía
En el s. XI, destaca una mujer, la abadesa alemana Hildegard von Bingen, nacida de familia noble, fue instruida en música, y latín,además de salmos y cantos gregorianos. Compuso unos setenta  y ocho cantos y obras musicales,tales como Symphonía  armoniae celestium revelationum y un auto sacramental Ordo  Virtutum, además de un oratorio y un gran número de responsorios, himnos y antífonas.
Aparece así el  Ars antiqua y la polifonía.                                                                                                                      
En la segunda mitad de siglo XII, surge en  París un grupo de músicos que pasaron a la historia por ser los primeros autores polifónicos conocidos, Léonin y Péotin, en el entorno de la recién construida catedral.Las composiciones de todos ellos son conocidos como la música “de la Escuela de Notre Dame”, y los clasificamos dentro de lo que hemos denominado  ars antiqua.
Dentro de ésta, hay piezas polifónicas:
  • -Organum: Se desarrolla y evoluciona. Organa a cuatro voces, que se mueven con mayor libertad.
  • -Motete: dos o tres voces, cada una de las cuales canta un texto distinto y tiene un ritmo también diferente
  • -Conductus:-Doble: Tenor y duplum
  • -A tres voces: Tenor, motelus, y triplum
  • -A cuatro voces: Motete triple
Esta polifonía se extiende tan rápidamente que  encontrar una sistema de notación, que fijarán Pierre de la Croix y Francon de Colonia y que consistiría en dar a cada nota un valor fijo y así cuando se superponen dos o más voces, de manera que coinciden.
Se conoce con el nombre de Ars nova a la época que se desarrolló a lo largo del siglo XIV. Fue Philippe de Vitry compositor y teórico musical que escribió un tratado titulado Ars nova, quien dio nombre a este tipo de música.
Con el Ars nova la polifonía medieval llega a su máxima perfección. Guillaume de Machaut fue uno de sus más destacados compositores. Vitry y otros músicos expusieron nuevas teorías en torno al ritmo, contra las que reaccionaron violentamente los músicos más consevadores.

Read Full Post »

LA MÚSICA EN LA ANTIGUA ROMA
En realidad, Roma no aportó demasiado a la música griega, ya que, aunque conquistaron sus territorios, la cultura griega siempre fue más importante. Eso sí, los romanos adaptaron la música griega a su carácter. Parece ser que el estado o los propios mandatarios romanos no estaban de acuerdo en valorar la música, algunos la condenaban y decían que había que tocar poco y con moderación, tal es el caso de Tulio Cicerón.
Los virtuosos de la música eran respetados y considerados en todo el Imperio. Estudiaban bajo la tutela de memorables maestros; debían llevar una vida metódica y sana; realizaban giras de conciertos por el Imperio y recibieron pagos importantes y numerosas familias patricias continuaron la práctica que se había iniciado con los famosos Gracos, Tiberio y Cayo Sempronio hacia el 110 a.C., de enviar a sus hijos a las escuelas de música y de danza.
Entre estos virtuosos, destacaban los griegos como: Terpnos, gran citarista ( maestro de Nerón,) Polón y Mesomedes de Creta, entre otros.  
En el origen de Roma, aparecen los ludiones ,actores de origen etrusco que bailaban al ritmo de las tibiae, un tipo de oboe, instrumento parecido al aulós griego, a veces acompañado de canto vocal.

Otros artistas, bailarines, reciben el nombre de histriones, que significa bailarín en etrusco.
De estos tipos de música no nos queda prácticamente nada, excepto breves fragmentos, que Terencio usó en una de sus representaciones teatrales. El Carmen Saecularis, canto en estrofas  para coro de niños y niñas, se estrenó en el años 17 a. C.   


Durante el reinado de Servio Tulio (578-534 a.C), sexto rey de Roma, fueron instituidos los Grupos de músicos en las Legiones Romanas. Se establecieron así, los Cornicem (tocadores del Cornu) y los Tubicem (tocadores de la Tuba).  Tenían graduación de suboficiales del ejército, lo mismo que los abanderados. Posteriormente, hacia el año 400 a.C., estos grupos militares y ceremoniales romanos estarán integrados por flautas, cornos y trompetas de muy variadas formas y tamaños e instrumentos peculiares como la flauta Siringa (Syrinx) y el Lituo (Lituus) o trompeta curva.
Lucio Cornelio Sila (138-80 a.C) tuvo entre sus servidores al rico liberto Crisógono, el cual contaba entre sus propios esclavos a un gran número de instrumentistas y cantantes que se encargaban diariamente de mantener un permanente ambiente musical en su residencia. En general muchos esclavos eran entrenados como músicos.
Según el historiador Paul Henry Láng, el emperador Calígula escuchaba música de orquesta, mientras navegaba por la bahía de Nápoles. (Pompeya) y Nerón , además de exhibir sus propias cualidades de citarista, implantó en el año 60 los Festivales Sagrados, en ellos la música cumplía un importante papel. Más tarde , el emperador Tito Flavio Domiciano estableció los Juegos Capitolinos, en los cuales se premió la actuación de instrumentistas, músicos, cantores y poetas. Convirtiéndose así la música en espectáculo .

 En múltiples actos y  ceremonias, militares y rituales, se hizo frecuente la utilización de diversos instrumentos tales como la Bucina ,trompeta plegada con boquilla desmontable, la Tibia que, al principio era una flauta de hueso, luego pasó a ser transversal y el Tympanum o Pandereta. y el cerní , parecido a una trompa, y la tuba , una trompeta recta con sonidos graves, litus, trompeta de tubo largo. Como instrumentos de percusión usaban los platillos y timbales y panderos. También era muy popular la lira.    
Más tarde, con las conquistas romanas, la música se enriquece gracias a las aportaciones de Egipto, Siria e Hispania. Vuelven a aparecer la citarodia, versos recitados con cítara, y otras veces, un virtuoso tocaba la cítara en concierto, lo que se conoce como citarística. Se sabe que había concursos de estas modalidades.

En tiempos del Emperador César Augusto (63 a.C-14 d.C.), el Aulos, instrumento heredado de los griegos, aumentó sus dimensiones y llegó a ser un instrumento del tamaño similar al de las tubas. Y el historiador Ammiano Marcelino (340-400 d.C.), nos habla del uso, de grandes liras que debían transportarse en carros. Y también aumentó el número de ejecutantes, de manera que formaban conjuntos de músicos impresionantes, tradición que ya existía en Egipto. Lucio Anneo Séneca, preceptor de Nerón habla de la cantidad de instrumentos, incluido el hydraulis,                                                                                                                    
Pero quizá donde mejor se puede apreciar el género musical es como acompañamiento al teatro, en lugares como circos, teatros y anfiteatros, como en Grecia. Al contrario que en Grecia, las partes de coro no eran tan importantes en Roma. Había partes cantadas con acompañamiento de tibiae generalmente, que podían ser simples o dobles, repitiéndose éstas dos veces. Las pares tenían una afinación igual a las otras. En Roma, las partes recitadas, llamadas deverbia iban seguidas de cantica o partes cantadas por un solista o un dúo. En los intermedios se ofrecían recitales
Los autores más famosos fueron Plauto, cuyas obras más conocidas son Anfitrión,Los Cautivos,  El Cartaginés y los Menaecmi,   y Terencio que escribió Andria, Los Hermanos, Formión… que dieron a la música vocal, sobre todo, un papel fundamental en sus obras. En la tragedia, el principal autor fue Séneca. Entre las obras del filósofo quedaron 14 tragedias, Medea, Las Troyanas y Agamenón son algunos de los títulos. 

Read Full Post »

LA MÚSICA EN GRECIA CLÁSICA
En la Antigua Grecia, la música recibió influencias de  culturas como la mesopotámica, etrusca, egipcia o incluso las indoeuropeas que influyeron asímismo en sus instrumentos musicales. Los griegos daban mucha importancia al valor educativo y moral de la música por ello está muy relacionada con el poema épico.
En un principio, antes del s. VI a. C, la música estaba ligada a  las ceremonias religiosas o médicas, pero más tarde, se convierte en un hecho cultural, entrando a formar parte de la vida cotidiana.  Aparecen los bardos o aedos (posiblemente  como Homero) que, acompañados de una lira, vagan de pueblo en pueblo mendigando y guardando memoria oral de la historia de Grecia y sus leyendas.
( Himno a Homero, por Atrium Musicae-Gregorio Paniagua)
La música era una parte de la educación elemental de los niños y también de la Filosofía. Los sabios de la época resaltan el valor cultural de la música. Pitágoras la considera «una medicina para el alma», y Aristóteles la utiliza para llegar a la catarsis emocional.
Hasta el s. IV la composición musical se reducía a improvisaciones y variaciones según el modelo de los esquemas tradicionales. Las antiguas composiciones que han resistido el paso del tiempo son unas  veinte. Entre ellas cabe destacar un estáismo, es decir un canto coral, de la tragedia Orestes de Eurípides, del s. IV a.C., dos Himnos Délficos, en honor de Apolo, dios de la luz y la belleza, grabados en piedra y datados en los alrededores del 150 a.C., y el Epitafio de Sicilio, grabado en una urna funeraria del s. I d.C.

A partir del s. IV a.C., Timoteo de Mileto, comienza a componer sus melodías con mayor libertad. Fue él mismo quien modificó profundamente las estructuras musicales introduciendo frecuentes modulaciones y cambios de ritmo, liberando la música de la obligación, de repetir melodías y ritmos tradicionales. Esta libertad se hizo cada vez más amplia y difundida a medida que la cultura griega se aproximaba a la época helenística , desde     finales del s. IV a comienzos del s. III en adelante.
También en Grecia (530 a.C.) se destacan Midas de Agrigento, hábil flautista y Herodoro de Mergara, trompetista ganador por diez veces del premio olímpico por su habilidad, según lo relata el poeta Píndaro (518-438? A.C) en sus Epinicios Olímpicos.

 

Aparece en Atenas el ditirambo, consistente en cantos de lírica coral dedicados a Dionisos, acompañados de danzas y el aulós,( αὐλός )un instrumento parecido al oboe doble. Constaba de una caña de hueso, marfil o metal,  con  cuatro a quince agujeros. Tenía una afinación absoluta. Lo tocaban músicos profesionales en banquetes o servicios religiosos.        
(Aquí puedes oír cómo sonaba el aulós)
AULÓS
Surgen asimismo dramas, tragedias y comedias de una manera combinada pero sin perder la danza, la música y la poesía. En general los griegos preferían la música vocal, ligada a la poesía o a la tragedia incluso, a la instrumental.
Los principales instrumentos utilizados en Grecia fueron: la lira, la cítara, la siringa (una flauta de Pan), varios tipos de tambores como por ejemplo el tympanon (siempre en manos de mujeres), el crótalo, el címbalo, el sistro, las castañuelas.                                                                                  
La cítara es un instrumento de cuerda pulsada, con cuerdas metálicas afinadas por pares.

                                                                                                                         
La siringa, era la flauta que tocaba el dio de los rebaños, Pan,
La lira (λύρα) era un instrumento de cuerda punteada, primitivo, que se tocaba con las dos manos. Según la mitología griega, la lira fue inventada por Hermes, quien se la regaló a Apolo.                                                                      
Según la mitología, Orfeo tocaba la lira tan magistralmente que siempre tenía a su alrededor muchos seguidores. Cuando se enamoró de Eurídice, Orfeo durmió al Can Cerbero con las melodías de su lira y bajó al inframundo a rescatarla.
Otro instrumento fue el Hydraulis, especie de órgano tubular con teclado, que como su nombre indica, funcionaba con agua entre sus tubos.

La escala fundamental de los griegos de la Antigüedad era la doria: re, mi, fa, sol, la, si, do, re, pero descendente, y no ascendente como la actual. La interpretación era homófona, es decir que nunca interpretaban armonías, sino una sola melodía. El ritmo y el pulso eran muy importantes para los griegos. Combinaban sílabas largas con breves.
Pitágoras de Samos (Πυθαγόρας ο Σάμιος) 584- 496 a C   propuso que el cosmos y el alma humana debían guardar una armonía, equivalente a la proporción existente entre los intervalos de la octava musical. Pitágoras entiende los intervalos como proporciones de las frecuencias de los tonos. También estaba convencido que los intervalos entre las notas de la octava, podían ser representados mediante números y que estos guardaban una proporción semejante a la distancia entre los planetas.                                                                                                                                                                                                                               
Eurípides (486/480 – 406 a.C.)  reformó la tragedia griega, que constaba de tres elementos, las partes cantadas con acompañamiento instrumental a cargo del coro, el segundo, el diálogo con ausencia de coro, la tercera parte, sería una declamación con acompañamiento musical de lira, crótalos y a veces, aulós.
Sófocles   Σοφοκλής  (.496-c.406 a. C.) Otro gran autor trágico griego, alternaba los textos de sus dramas con los cantos del coro y solos en los monólogos de los actores. Así podemos escuchar en  Electra o en Antígona, Edipo Rey, etc. El más famoso es el canto  de lamento de Tecmesa ante la muerte de Ayax, héroe griego de la guerra de Troya.                                                                           
El epitafio de Seikilos, del siglo I,  fue  hallado en una columna de mármol puesta sobre la tumba que había hecho construir un tal Seikilos para su esposa Euterpe en Trales, Asia Menor. La melodía está precedida por el siguiente texto:
“Soy una imagen de piedra. Seikilos me puso aquí, donde soy por siempre, el símbolo de la evocación eterna.”      
Es la melodía escrita más antigua que se conoce. Es un fragmento de texto  en dialecto dórico, con notación musical. Está escrita en el ámbito de una octava justa, aunque sin medida y tiene un aire melancólico. Se conserva en el Museo Nacional de Dinamarca.

“Brilla, mientras estés vivo, no estés triste, porque la vida es por cierto corta, y el tiempo exige su retribución”

 

Read Full Post »

Older Posts »